张渠：乐由心生，向心而创
——拜雅Young系列合作艺术家
生涯的起点： 从家庭熏陶到专业追求
张渠的音乐之路始于浓厚的艺术家庭熏陶。其父是湖北业内知名的音乐制作人，长期深耕作曲领域，这为张渠的音乐启蒙创造了得天独厚的成长环境。在悠扬的琴声与跃动的音符中，年幼的张渠便展现出非凡的音乐天赋，对旋律与节奏有着与生俱来的敏感。
怀着对音乐的赤诚热爱，张渠以优异成绩考入北京某知名音乐附中——这所开创国内MIDI制作专业先河的音乐学府。在校期间，他系统研习作曲技法、编曲理论及音乐制作技术，在古典与现代音乐的碰撞中汲取养分。严苛的专业训练不仅锤炼了他的技艺，更塑造了他对音乐的深刻理解。
凭借出众的专业素养，张渠顺利保送中国戏曲学院本科继续深造。在传统戏曲的韵律美学与现代音乐的创新表达之间，他找到了独特的创作平衡。这段求学经历使其音乐语言既葆有东方神韵，又充满时代气息。
如今，作为职业音乐制作人的张渠已参与多个国家级音乐项目创作。从古典到流行，从传统到现代，他始终以开放包容的心态探索音乐艺术的无限可能。回望来路，每一步都印证着他对音乐的执着追求；展望未来，这位年轻音乐人的艺术人生正谱写新的华章。
融合之道：
古典音乐的现代演绎
张渠的音乐创作以其独特的古典与现代融合风格而备受瞩目。自2013年舞剧《孔子》起，他便致力于用当代音乐语言重新诠释中华传统文化，让千年前的智慧在舞台上焕发新生。他坦言，早期创作古典题材舞剧时，整个团队都在“摸着石头过河”，但凭借对音乐的深刻理解和对传统文化的热爱，他决心打造出既符合现代审美、又能传递古典意蕴的作品。
在舞剧《孔子》的音乐创作中，张渠大胆突破传统舞剧音乐创作框架，巧妙融入现代和声、中国乐器及电子音色，甚至在录音棚中采集书简开合、玉器坠地等自然声响，赋予作品独特的听觉质感。通过多年来对西方交响乐与中国传统民族音乐的研习，使他逐渐摸索出一套标志性的创作手法—以交响乐为基底，点缀中国民乐的华彩乐段，再结合现代旋律与和声体系，形成层次丰富、东西交融的音乐语言。
这种创新不仅为舞剧音乐风格树立了新的艺术标杆，也成为张渠鲜明的个人风格。此后，《李白》《昭君出塞》《赵氏孤儿》等一系列以历史人物为题材的舞剧音乐，均延续并深化了这一创作理念。他的作品既保留了传统文化的厚重感，又注入了当代艺术的活力，让古典人物在音符的流转间焕发新的生命力。
冬奥音乐的诞生： 用综合思维塑造音乐
在当今的音乐创作领域，创作早已不再是单一维度的音乐书写，而是一个涵盖多维度、多要素的复杂过程。它如同一场精心策划的战役，需要创作者对整个项目的全面洞察，对导演理念的精准把握，以及对音乐本质的深刻理解。这种创作方式的转变，不仅是音乐形式的革新，更是创作者自身综合素养的全方位展现。
张渠的创作理念并非传统意义上的“写音乐”。对他来说，音乐创作并非孤立存在，而是与整个项目的深度理解紧密相连。在冬奥会的音乐创作中，这一点体现得淋漓尽致。当时，全国40位顶尖作曲家齐聚一堂，通过盲听比稿的方式层层筛选，竞争激烈。张渠深知，要在这样的舞台上脱颖而出，仅靠音符是不够的。
他的创作思路中，融入了对生活的深刻感悟，并始终强调个性与创新的重要性。从日常生活中捕捉情感的细微变化，将这些情感融入音乐中，使音乐具有了真实而强大的生命力。这些多元的积累，共同丰富了音乐的内涵，使每一首作品都成为一个充满细节和情感的艺术品。他大胆地加入了少数民族原生态的高腔元素，这种创新不仅为作品注入了独特的文化魅力，更让他的作品在众多竞争者中脱颖而出。
每一稿都是一次全新的尝试，每一次尝试都是对自我的挑战。通过深度理解项目，融合多元积累，创新尝试并运用综合能力，传递出文化的深度与情感的温度。正是凭借这种独特的风格和对音乐的深刻理解，张渠成功入选，并最终在世界舞台上完美呈现了《构建一朵雪花》。
“张一稿” 的由来
张渠的“一稿过”传奇，绝非偶然。从冬奥会到亚运会，从中亚五国领导人迎宾仪式到亚冬会开幕式，他一路过关斩将，凭借的不仅是深厚的音乐功底，更是对项目的全方位把控。他笑称自己被甲方和亚组委的朋友们调侃为“张一稿”，这背后是他多年摸爬滚打积累下的丰富经验。
张渠将多年积累的影视音乐、流行音乐、广告音乐、文旅音乐等多种风格融会贯通，形成了自己独特的音乐语言。在大型活动中，他不仅深谙导演组的需求，甚至能提前站在导演的角度思考问题，从节目结构到方向，都与导演并肩作战。这种全方位的创作方式，让他在面对复杂项目时，能够迅速调整思路，精准把握需求，最终以“一稿过”的高效成果，为每一次创作画上圆满句号。
科技与艺术的碰撞： 《秧bot》的诞生
《秧bot》的诞生，是张渠与张艺谋导演的第四次合作，这个作品将北方传统秧歌舞与现代机器人技术结合，极具创意。张渠回忆说，当这个项目找到他时，他立刻被“机器人跳秧歌”这个神奇的创意所吸引。然而，他也深知这将是一个充满挑战的项目。
创作过程中，张渠和团队遇到了诸多难题。当时的机器人并不具备跳秧歌的能力。他们需要为机器人“投喂”大量的资料，包括节奏、速度以及秧歌的动作韵律。所以不仅要研究东北秧歌的音乐风格，还要确保机器人能够精准地执行每一个动作。
首先，他们需要与工程师紧密合作，确保音乐的节奏和速度与机器人的动作完美匹配。张渠提到：“在东北秧歌里面，有一些单脚站立的姿势，其实它的速度不能太慢，如果太慢了之后，机器人就会容易摔倒。” 他们需要在音乐的速度和机器人的动作之间找到一个平衡点。
此外，他们还需要解决音乐与视频的同步问题。张渠说：“我们都是在做一些很创新的尝试，这个过程中其实耗费了很长的时间。” 他们不仅要确保音乐与机器人的动作同步，还要确保音乐与视频的画面完美结合。这在当时是一个全新的尝试，没有人知道应该如何同步这些元素。
凭借深厚的音乐功底和对东北秧歌的深入研究，张渠成功地将传统音乐与现代元素相结合，融入现代和声、采样音色和东北风格乐器，如板胡、唢呐，使音乐更具感染力。他回忆：“我们做了很多功课，研究东北秧歌的风格，包括一些大家喜欢的东北风格音乐。”在团队协作中，张渠展现了极高的专业素养和沟通能力，与工程师、编导、导演等反复沟通调整，通过与机器人工程师、编导导演及创意策划团队的紧密“碰撞”，最终让作品在春晚舞台上完美呈现。
《秧bot》的成功不仅体现在音乐上，更在于它将传统与现代、人类与机器人完美结合，展现了科技与艺术的融合。张渠的音乐为这一独特的表演形式注入了灵魂，使其成为春晚舞台上的一大亮点。张渠说：“整个节目最后呈现在春晚的舞台上，我们也是经历了很多幕后常人很难想象的一些困难和挑战。” 但正是这些挑战，让《秧bot》成为了一个令人难忘的作品。
风格与突破：张渠的音乐进化论
张渠在音乐创作的道路上，经历了从流行音乐到古风舞剧的转变，这个过程充满了自我认知的觉醒和突破。刚毕业时，他签约台湾环球，专注于流行音乐唱片的创作。随后，他又涉足影视配乐领域，为都市爱情片和古装剧创作音乐。然而，当他开始为舞剧《孔子》等古风题材作品创作音乐时，他发现自己的风格逐渐被定型。甲方和院团开始倾向于找他完成古风国风风格的作品，这让他意识到，尽管自己在古风领域取得了成功，但这种成功也在一定程度上限制了他的创作自由。
随着时间的推移，他发现自己被贴上了“古风音乐人”的标签，这让他感到一种无形的束缚。他意识到，尽管他在古风音乐领域有着深厚的积累和丰富的经验，但他并不想被这种风格所局限。他渴望突破自我，尝试更多不同的音乐风格和创作方式。于是，他开始有意识地选择项目，不再局限于古风题材，而是尝试更多现代、年轻的音乐风格。
在完成多部舞剧创作后，张渠决定跳出舒适区，投身电视媒体领域。他为河南卫视的“奇妙游”系列创作音乐，这个系列虽然仍然以国风为主，但面向的是更广泛的电视观众。在这里，他需要探索如何让音乐更现代、更年轻，同时还要保留传统文化的精髓。电视媒体的创作手法和舞剧有所不同，需要更多地考虑观众的接受度和传播效果。
在湖南台的“旅发大会”开幕式中，张渠尝试了流行、摇滚和电子等多种风格的音乐。尽管这些风格与他以往的古风作品有所不同，但他依然能够从中找到创作的乐趣和挑战。他尝试将传统乐器与现代电子音乐相结合，创造出既新颖又具有文化底蕴的作品。通过这些尝试，张渠不仅突破了自己的创作瓶颈，也为自己赢得了更广泛的受众。
音乐的风格只是外在的标签，真正重要的是能否用心雕琢出有温度、有灵魂的作品。每一次创作都是一场全新的冒险，无论面对何种风格，都会全力以赴，让作品成为自己不断探索和突破的见证。正是这种对创作的纯粹热爱和无畏探索，让张渠在音乐的道路上不断突破自我，收获了新的成就，也为自己开辟出更广阔的创作天地。
向心而生：音乐创作的内在动力
张渠始终秉持“乐由心生”的理念，认为音乐创作是创作者性格与内心世界的映照，更是情感的自然流淌。在他眼中，音乐的复杂与单纯皆源于创作者的内心状态。他结合自身创作经历，强调音乐与创作者个人经历的紧密联系，唯有历经生活的喜怒哀乐，才能将这些情感化作音符，创作出真正触动人心的作品。在他看来，音乐创作的真正魅力与价值，恰恰在于创作者的情感与经历的深度交融。这种源自生活的喜怒哀乐、历经岁月沉淀的情感体验，是AI所无法触及与替代的。
在创作过程中，张渠强调了松弛状态的重要性。他提到，只有在平静和放松的状态下，创作者才能在理性和感性之间找到平衡，创作出真正有感染力的作品。他分享了自己在创作“哭嫁”这一段音乐时的心境，虽然创作时他保持了平静，但脑海中浮现的却是生活中那些令人感动的瞬间，这些瞬间成为了他创作的灵感源泉。
除了创作，他也会花大量时间陪伴家人，享受生活。生活中的点滴体验和感受，都是创作的宝贵素材，他分享了自己在打扫卫生时的放松时刻，这些看似平凡的日常活动，都能为创作带来新的灵感和视角。
精简与高效：张渠的设备哲学
作为一位全面的音乐制作人，张渠的创作流程涵盖了从作曲、编曲到混音、录音，甚至母带处理的每一个环节，这种“一条龙服务”的能力让他在业内独树一帜。他提到，音乐制作人对设备的热爱和追求是共通的，尤其是完成一个项目后，用所得去升级设备，那种成就感难以言表。张渠的工作室里设备换过不少，他曾痴迷于混音，买了许多硬件效果器、压缩器和母带处理设备，但后来意识到，创作的关键还是在于创作者的头脑和创意。
在设备选择上，张渠有着自己的独到见解。他认为，设备不应盲目追求，而应根据实际需求和使用频率来选择。他身边一些朋友在设备上花费大量资金，但很多设备最终闲置，这让他意识到设备的实用性至关重要，设备的购买应该基于实际使用需求，而不是为了摆设。
他会在购买设备前进行大量的研究，包括查看参数、对比不同品牌和型号的性能。他甚至会在购买后进行横向和纵向的对比测试，以确保设备能够满足他的需求。这种严谨的态度不仅帮助他在创作中保持高效，还让他能够更好地控制成本。
张渠特别提到了他对监听耳机的选择。他曾试听过许多品牌和型号的耳机，最终选择了拜雅的DT 1770 PRO。最早接触拜雅的1770耳机是在朋友的工作室里，当时他只是试听了一下，就对这款耳机的音质印象深刻。
这款耳机不仅在音质上满足了他的需求，其封闭式设计还能有效防止录音时的漏音问题。他经常需要在工作室里录制一些小样，这些小样可能会被用在最终的成品中，因此录音的干净程度至关重要。此外，1770的高频弹性非常好，能够让他在混音时更准确地判断细节，而其频响宽度则能够让他在母带处理时更好地把握整体效果。
拜雅在其百周年之际推出的1770二代（DT 1770 PRO MKII）带给他诸多惊喜，尤其是相较于前代，这款耳机在多个方面实现了显著升级。1770二代采用了全新的TESLA.45驱动单元，这一升级使得高频的弹性更好，同时毛刺感明显减少。这种改进不仅提升了音质的平直度，更让其达到了他心中更为理想的状态。
对于监听耳机的选择，张渠认为音质固然重要，但设备的实用性和使用频率同样关键，这样才能真正发挥设备的价值。而拜雅1770二代凭借其出色的综合性能，既能满足他在录音采风时的便携需求，也能在工作室中提供精准的监听效果。
旋律的力量：创作者的必修课
张渠在创作中一直保持着高产且高质量的输出，这源于他多年的积累和不断尝试。他回忆说，早在2013年创作舞剧之前，自己就已经有了丰富的经历和经验，包括戏曲音乐等多种风格的创作。张渠认为，正是这些年的积累，让他在《孔子》这部作品中能够将所有的经验汇聚起来，展现出自己的风格。
创作需要一步一个脚印，稳扎稳打地前进。从《孔子》的深刻演绎，到冬奥会、亚运会的宏大叙事，再到河南卫视“奇妙游”的灵动呈现，每一步都是他厚积薄发、砥砺前行的见证。如今，国内音乐创作环境蓬勃发展，市场广阔，机会遍地。张渠以亲身经历，鼓励年轻创作者们投身实践，因为实践是创作的根基，是通往卓越的必经之路。
“旋律是音乐的核心，
技法固然重要，
但必须服务于旋律。”
这是张渠在创作中始终坚守的信条。在与文旅项目的合作中，他深知旋律的力量——它是观众能够铭记、能够共鸣的桥梁。从美国的林肯中心、肯尼迪中心，到俄罗斯的马林斯基剧院，他的作品跨越文化与地域，旋律的力量让全球观众为之动容。这不仅印证了旋律的普适性，更彰显了音乐跨越语言与文化的强大感染力。
虽然每个人对旋律的感受不同，但旋律好听、优美且富有情感的作品，永远是点击量和试听量最高的。他建议年轻创作者们在追求技法的同时，不要忽视旋律的美感与力量。
张渠的音乐之路，是他对音乐热爱的执着追求，也是中国音乐在新时代不断探索与发展的缩影。他的作品在国内收获了广泛认可，也在国际舞台上获得了诸多赞誉，让更多人领略到中国音乐的独特魅力。张渠用旋律传递情感，用音乐讲述故事，为中国音乐的传承与发展注入了新的活力，也为世界音乐的多元交流增添了一份来自中国的精彩。
